ONCE, película irlandesa de 2006 dirigida por John Carney, con música y actuación de Glen Hansard y Markéta Irglová.

En 1991 Alan Parker no sólo mostraba en "The Commitments" la historia del manager Jimmy Rabbitte y su grupo de músicos de soul que querían ser profesionales y famosos. No. Además aquella película musical nos mostró una cara desconocida de Irlanda, una que estética y formalmente se mostró bastante similar a la América que habla español, a la de barrios marginales con blocks de departamentos, ropa tendida a la vista de todos, sitios eriazos y jóvenes pateando piedras en las esquinas del barrio norte. Como sentenció Rabbitte, los irlandeses "somos los negros de Europa; los dublineses, los negros de Irlanda; los del barrio norte, los negros de Dublín". Así transmitía la asociación entre el soul -música proletaria y sexual-, y la realidad de una nación europea alejada de la imagen portentosa que solemos encontrar en Alemania, Francia, España o Inglaterra. Esa Europa es un sueño; la tierra de los duendes, la realidad misma.

Pero así y todo, la pequeña isla dividida absurdamente en dos naciones por la religión y la posición obtusa de la corona, se las arregla para ser grande: es madre y padre de Estados Unidos; cuna de

Woody Allen: Su primera película como director.

Este artículo versa sobre una de las mayores obras fílmicas de la historia. Soy rotundo y no echo pie atrás. "Take the money and run", más conocida por su título en español "Robó, huyó y lo pescaron" (1969), es una deliciosa amalgama de ironía y técnicas narrativas. WOODY ALLEN, su realizador, fundió la ficción con el documental en su primer ensayo con el género mocumental [1], como se le denomina hoy a los falsos documentales, fórmula que volviera a utilizar en 1983 con la narración del increíble hombre camaleón, "Zelig", y en 1999 con "Dulce y Melancólico (Sweet and lowdown)".

Pero es, además, un ejercicio perfecto del uso del absurdo y de las técnicas bufónicas traídas del teatro y que tan hábilmente llevaron al cine maestros como Buster Keaton y Charles Chaplin, y comediantes como Stan Laurel y Oliver Hardy (Laurel & Hardy); los hermanos Moses Horwitz y Larry Fine (Los Tres Chiflados); e, incluso, Chespirito.

El Documental

¿Es posible construir una historia sobre l

Película alemana basada en un hecho real, la "Tragedia del estudiante de Steglitz", ocurrida en 1927 en Berlín. Con Daniel Brühl y Anna Maria Mühe. Dirigida por Achim von Borries.

Los hechos reales que sirvieron de fuente al guión de esta película son indistintamente catalogados como "policiales", "judiciales" y también como "sociológicos". Yo quiero agregar el rótulo de "poéticos". Lo cierto es que raras veces la poesía ha sido un factor tan preponderante para entender cómo es que alguien puede quitar y quitarse la vida.

Sin quererlo, y gracias a este film alemán de 2004, me descubrí desempolvando y revisando los archivos virtuales de este caso que en Alemania es conocido como „Steglitzer Schülertragödie", o la Tragedia del Estudiante de Steglitz, un acomodado barrio de Berlín, donde el joven Günther Scheller se suicidó tras haber dado muerte al aprendiz de cocinero Hans Stephan. En la escena del suceso habían tres personas más: Hildegard Scheller (Hilde), hermana de Günther, su amiga Ellinor Ratti (Elli), y Paul Krantz, el protagonista de la historia y de los v

Orquesta Club Virginia, película española basada en la vida del músico Santi Arisa, con Jorge Sanz y Emma Suárez.

Cuando eres un amante de la música o si ésta ha formado parte importante de tu vida, películas como “Orquesta Club Virginia” (1992) son difíciles de ignorar, aunque parezca muy sencilla y seria candidata al olvido de muchos. Quizás sean los códigos de los músicos o anécdotas universales para quienes han pisado un escenario alguna vez, pero para mí no pasó desapercibida. Dirigida por Manuel Iborra, quien también la escribió (en colaboración con Joaquín Oristrell), su arco dramático es el de la vida, pasión y muerte de una agrupación de los años ’60 que vive en la frontera de la toma de decisiones, la de los cambios profundos.

Corre 1967 y el orden del mundo ha cambiado, así como su escenario cultural. La generación que bordea los cuarenta y que ha vivido escuchando e interpretando mambo, rumba y chachachá, de la mano del bolero y los clásicos italianos, no se acomoda a la irrupción de Los Beatles y el rock and roll.

"Qué hacías cuando se fue la luz", película inspirada en el gran apagón de 1965, protagonizada por Doris Day.

Los archivos históricos indican que el 9 de noviembre de 1965 el sistema interconectado de electricidad que une Canadá con la costa este de Estados Unidos sufrió un desperfecto que ocasionó un apagón de 14 horas. Más de 30 millones de personas quedaron a oscuras, entre ellas las de la ciudad de Nueva York, que vio paralizada su tren subterráneo, ascensores y medios de comunicación, en medio del caos en las calles por la falta de semáforos y con sus dos aeropuertos internacionales funcionando con sistemas de emergencia. Por supuesto, una cadena de hechos significativos se sucedieron esa noche: cortes de agua y de gas; 600.000 personas atrapadas en los trenes; bloqueo de los expendios de bencina (gasolina); cancelación de espectáculos; y según reza la leyenda, un “baby boom” de pequeños leos que nacieron 9 meses después del “blackout”. Por supuesto, la industria de la entretención vio las posibilidades de inmediato.

Título Original: Where were you when the lights went out? (1968)
Título en España: Anoche cuando se apagó la luz

El dramaturgo y guionista francés CLAUDE MAGNIER escribió la obra teatral “Où étiez-vous

Inconscientes, dirigida por Joaquín Oristrell, con actuaciones protagónicas de Leonor Watling, Luis Tosar.

Sigmund Freud es uno de los nombres más significativos y revolucionarios del siglo 20 y, más allá de si son científicamente rigurosas o no, yo simpatizo con sus teorías. Es que proponer a una sociedad conservadora que todo lo bueno y lo malo que nos pasa por la mente tiene que ver con el sexo, es simplemente un acto de “rebelión científico-cultural”. Sin ir más lejos, en el arte marcó una importante influencia en lo que sería el movimiento surrealista, con André Breton marcando la pauta con sus escritos y poemas, y Buñuel, Max Ernst, Dalí y Roberto Matta, entre otros, explorando sueños, fantasías y perversiones para llevarlas a la pantalla y las telas. Pero al austriaco aún tiene muchos críticos y detractores, tanto como los tuvo en plena época de su apogeo. Es lo que podemos ver en “Inconscientes”, donde el catalán LEÓN PARDO (Álex Brendemühl), un neuropsiquiatra que tras haber sido su más acérrimo admirador y discípulo, decide que es tiempo ya de darle muerte. Corre el año 1913.

En “Inconscientes”, Joaquín Oristrell escribió junto a Dominic Harare y Teresa Pelegri, un relato lleno de comedia, una comedia muy espa

Melody, película británica protagonizada por Tracy Hyde, Mark Lester y Jack Wild, con guión de Alan Parker.

He intentado muchas veces empezar este artículo (meses), pero siempre temo escribir algo que suene a “qué lindo es el pasado” o “esos sí que eran buenos tiempos”. Es que no soporto la idea de no evolucionar, de quedarme en lo mismo. La tendencia llamada kitsch, por ejemplo (yo diría un mal neo kitsch), está bien como humorada, pero de ahí a transformar en ídolos a pseudo artistas que antes eran considerados de lo peor, por el simple hecho de ser parte del pasado, no me parece muy digno. Sin embargo, la evolución no puede ser sinónimo de olvido. Las obras maestras son atemporales. Lo es Shakespeare, lo es Neruda, lo es Mozart. Lo son The Beatles, Lloyd Webber y Felini. Y con el permiso de mis compañeros cinéfilos, lo es “Melody”.

“Melody” (1971) es otra película que conocí gracias a la televisión. La exhibieron un par de veces y se perdió en el recuerdo de una generación completa, en el mundo entero. Hasta que internet la recuperó. Muchos en el planeta encontramos en Yahoo o en Google una oportunidad para rescatar “nuestro propio pasado histórico” y darlo a conocer, como el caso de esta película. Nos descubrimos, encontramo

La Ciencia del Sueño, Michel Gondry, Gael García Bernal, Charlotte Gainsbourg.

MICHEL GONDRY es un marciano camuflado. Parece humano, se viste como humano, interactúa como humano, pero… vamos… todos sabemos que es un extraterrestre. En “THE SCIENCE OF SLEEP (La Ciencia del Sueño)”, nuevamente nos entrega una narración llena de magia y, aunque parezca un juego de palabras absurdo y contradictorio, mucha fantasía y realismo. Tal como en esa delicada obra de arte llamada “Eterno resplandor de una mente sin recuerdos”, el realizador francés nos presenta una nueva historia de confusión entre sueño y realidad, sólo que aquí el motivo no es la manipulación externa como lo hacía la empresa Lacunna INC. a pedido de sus clientes. No, aquí el asunto es más bien patológico. Pero en esta historia el trastorno mental no es sólo un tópico para Gondry. Es una herramienta narrativa, una fuerza expresiva. Parafraseando a nuestros escritores latinoamericanos del siglo 20, esto es pura “Psiquiatría Mágica”.

Casino Royale, Peter Sellers, Ursula Andress, David Niven, Woody Allen.

Muchas personas en el mundo deben haber ingresado por estos días las palabras “Casino” y “Royale” en los buscadores de internet para encontrar información sobre la nueva producción inspirada en la obra de IAN FLEMING sobre las aventuras del agente británico JAMES BOND. Sin embargo, no pocas veces en lugar de Daniel Craig o Mads Mikkelsen, se han encontrado con un reparto masculino encabezado por DAVID NIVEN y PETER SELLERS; que al buscar a Eva Green o Ivana Milicevic, han visto sus lugares ocupados por otras tanto o más bellas como URSULA ANDRESS y BARBARA BOUCHET; y qué decir del director Martin Campbell: a cambio de su nombre nos encontramos con el de 5 realizadores. Se trata de “CASINO ROYALE”, una película con el mismo nombre del actual estreno mundial, filmada en los estudios Shepperton, Pinnewood y MGM de Inglaterra, estrenada en 1967. Y digámoslo: se trata de una rareza… una exquisita rareza.

2 años antes (1965), el productor de esta película, CHARLES K. FELDMAN, fue el responsable junto a Clive Donner (Director), de la divertida “What’s new, Pussycat?”, una película “pariente” de esta parodia, con Peter O’Toole y

El Rey de San Gregorio, cine chileno.

Cuando ya ha pasado más de una semana desde el estreno de “El Rey de San Gregorio” en las salas de cine de Chile, debo aclarar que son otros los que tienen hacer comentarios sobre ella, sobre nuestro rendimiento, la calidad mostrada o el aporte que esta película pueda otorgar, tanto en términos fílmicos como sociales. Por lo tanto, aprovecharé mi propio espacio para escribir algo así como un lado B, aquello que no se lee en los diarios o que no sale en la televisión. No voy a hablar de Pedro Vargas, ni de sus amigos especiales, ni tampoco de la población San Gregorio. Hablaré de una historia íntima…

Con permiso.

ESTUDIANTES DE COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL

Cuando Christian Olguín se fue a vivir a Alemania apenas terminamos nuestra carrera, para mí comenzó otra etapa de la vida. Se había ido mi compadre… más bien, el compadre de todos. Es que nuestros años en el Arcos (Instituto Profesional de Arte y Comunicación) a comienzos de los ’90 fueron intensos, por la amistad, por las ideas… ¡por las chicas!... pero sobre

El Rey de San Gregorio, Trailer.

Título El Rey de San Gregorio
Dirección Alfonso Gazitúa
Producción Ejecutiva Christian Olguín
Guión Alfonso Gazitúa y Christian Morales
Compañía Allegro Films
Fotografía Alvaro Cortés
Montaje Soledad Salfate
Producción Magdalena Gissi y Claudia Nelson
Asist. de Dirección Denis Leyton
Dirección de Producción Constanza Duclos
Diseño de Sonido Miguel Hormazábal
Música Edgardo Cantón
Equipo Alejandro Moya, Pablo Pinochet, Tomás Roca, Raúl Leiva, José Tomás Videla, Paula Yolin, María Elisa Canobra (Mehui), Alejandro Mora, María Paz Sáenz, Alejandra Sánchez, Myriam

El Duelo, Duel, El diablo sobre ruedas, Steven Spielberg, Dennis Weaver.

Justo antes de escribir este comentario me encontré con Steven Spielberg declarando a la prensa mundial que tiene ganas de hacer películas de bajo presupuesto y que le hubiera encantado encabezar proyectos como “Capote” o “Buenas noches, buena suerte”. Y no es casualidad. La última etapa de la filmografía de Steven Spielberg es una demostración evidente de que la danza de millones no es garantía de buenos resultados. “Munich”, “La Guerra de los Mundos” (su peor película) y “Terminal”, parecieran ser ejercicios con demasiados cerebros involucrados. A un tipo como él, que es empresario, productor y director, me lo imagino delegando muchas fases de la creación –no me refiero a la producción donde es lógico trabajar en equipo-, lo que deja como resultado una sensación de que algo personal falta, algo que va más allá de la opción por los guiones escogidos.

Pero este personaje es demasiado importante para mí como para crucificarlo. Es que, por ejemplo, gracias a la saga “Indiana Jones”, este señor me hace volver a sentir “emoción”, esa del juego de las aventuras, de sentirse pendejo en propiedad, esa emoción de dejar de ser adulto un rato, lo que a veces (muchas veces) es simplemente una tremenda mierda. Alguien que logra eso en mí por un par de horas, o que es capaz de marcar mi vi

La Sagrada Familia, Sebastián Campos.

EL TRIUNFO DE LA MAMITIS; EL TRIUNFO DEL SILENCIO.

No tengo idea quién es Sebastián Campos, pero sí sé que se trata de un artista al que habrá que ponerle mucha atención de ahora en adelante. Es que un purista o perfeccionista no habría lanzado jamás a la calle una película con algunas inconsistencias conceptuales (foto, cámara), pero sí lo hace alguien con ganas de decir cosas y de provocar, es decir, no un cineasta, sino un artista, alguien que toma riesgos, que es atrevido. La gran apuesta de esta película está en eso, en cómo se transforma en un motor de discusión. El guión demuestra lo aristotélico de la “semana santa”, con sus tres días que avanzan hacia el desenlace, cual tres actos de una película cualquiera. Escenificada en Tunquén, "La Sagrada Familia" (qué buen título) le da un gran respiro a nuestra cinematografía cargada al “flaitismo”. Campos demostró que lo contrario a la historia popular no era filmar escenas de millonarios tomando whisky en sus mansiones, como lo hacían las teleseries de los ’80. Chile es un espectro mucho mayor, con clase media incluida (en este caso la "alta baja"). ¡Salud por esa honesta elección!

Una

La Danza de los Vampiros, The Fearless Vampire Killers, Roman Polanski, Sharon Tate.

Antes de los doce años ya me había encontrado, gracias a la tele, con obras tan mágicas como “Casino Royale”, “Melody”, “Hotel Paradiso”, “Robó, huyó y lo pescaron”, “El Duelo”, “¿Qué pasó, Pussycat?”, “¿Cómo robar un millón de dólares?”, “Bandolero”, “Los Pájaros”, “¿Qué hacías cuando se fue la luz?”, “La Pantera Rosa” y muchas más… y en algún lado también vi “La Dolce Vita”. Pero con esta parodia al mundo de los vampiros existe algo muy personal, porque fue el primer acercamiento con el deseo de hacer cine. Después que la vi por primera vez (tenía entre 10 y 12 años), me d

Ladyhawke, El Hechizo del Águila, El Hechizo del Halcón, El Hechizo de Aquila, La Dama Halcón, Michelle Pfeiffer, Rutger Hauer, Matthew Broderick, Richard Donner.

RICHARD DONNER debe ser uno de los directores más prolíficos de la escena cinematográfica mundial de los últimos 30 años. Sólo basta echar una mirada a su basta filmografía para encontrarnos con títulos tan notables como “La Profecía” (1976); “Superman” (1978); la mágica historia adolescente de Steven Spielberg, con guión de Chris Columbus, “Los Goonies” (1985); o la saga “Arma Mortal” (1987, 1989, 1992, 1998). Pero además, y para alegría de los amantes de la cultura pop, dirigió capítulos de clásicas series de televisión como “Dimensión desconocida” (1959); “Combate” (1962); “El Fugitivo” (1963); “El agente de CIPOL” (1964); “La isla de Guilligan” (1964); “Jim West” y “El súper agente 86” (1965); “Cannon” (1971); “Las calles de San Francisco” (1972); “Kojak” (1973); “El hombre nuclear” (1974); y “Cuentos de la cripta” (1989). Sin embargo, es esta película de 1985 la que forma parte de mi videoteca fundamental. “LADYHAWKE”, o “El hechizo del águila”, la protagonizan Michelle Pfeiffer y el holandés Rutger Hauer, el mismo que personificó al replicante Roy Batty en “Blade Runner”. Pero es un joven Matthew Broderick el que encabeza los créditos, amparado por la creciente fama de la que gozaba en la época, luego

Valentín, Alejandro Agresti, Rodrigo Noya.

A veces las sorpresas son eso, una casualidad, un hito inesperado que de pronto se instala en la memoria para quedarse. Y la recomendación de la Fran se transformó en una de esas sorpresas. “Valentín” es una película de esas que no recuerdo haber visto en la cartelera, víctima quizás de la aplanadora asfixiante de algún filme de moda y su campaña de marketing, pero que ahora forma parte de la filmoteca de mis entrañas. Así de heavy.

Escrita y dirigida por Alejandro Agresti (quien además aquí es camarógrafo y actor), “Valentín“ narra la historia de un “pibe” bonaerense de nueve años que, a fines de la década del ’60, sueña con la posibilidad de ser el primer astronauta en pisar la luna, para lo cual se prepara a su manera. Pero este sueño esconde todo el drama de su vida familiar.

Abandonado por su madre desde que se separó de su progenitor, vive con su ABUELA -personificada magistralmente por la española Carmen Maura-, siendo visitado sólo ocasionalmente por su PADRE y el TÍO CHICHE. VALENTÍN es querido, pero igual la pasa mal. El peso de una familia que se empieza a desmembrar, cae con f

Se Arrienda, Alberto Fuguet, Francisca Lewin.

El escritor Alberto Fuguet es un amante del cine, un tipo que se ha preparado para incursionar en él, es decir, su arremetida como director no es sólo una entrada prepotente como producto de su fama. Pero Fuguet es Fuguet, escribiendo libros, crónicas, guiones o dirigiendo. “SE ARRIENDA”, co-escrita con Francisco Ortega, respeta absolutamente su estilo literario: tiene personajes que reniegan de su origen, aunque no pueden quitárselo de encima; tiene páginas que son realmente aletargadas que siempre provocan un instante de duda (¿lo dejo hasta aquí o sigo?); es un libro que igual termina por leerse hasta el final, porque presenta temas para la discusión posterior, para la reflexión; la película, como sus novelas, es una obra con un contenido interesante, identificable en muchos pasajes, pero con un estilo que linda en lo afectado. Fuguet construye una línea narrativa de una manera más bien tradicional, valiéndose de recursos como esas elipsis tan evidentes con caracteres del tipo "unos años más tarde", pero nos sorprende gratamente con la utilización de la metadiégesis (el cuadro en el cuadro), incluyendo una película dentro de la otra. Sin embargo, creo que este autor presenta ripios fundamentales en la construcción de los diálogos. Intenta que sus personajes hablen como el común de la gente, pero

The Big Shave, Martin Scorsese.

Siempre quise verlo. Lo busqué por años y nunca pude dar con él. Hasta que mucho tiempo después lo encontré. Dura 5 minutos y medio. Todo comienza con los sones de “I can’t get started”, de Bunny Berigan y su Orquesta (1939). Se ven detalles de un baño que destaca por lo limpio y reluciente, pero sobre todo por su blancura, atribuida por Scorsese en los créditos a Herman Melville, autor de "Moby Dick", la ballena blanca. Una gran cantidad de planos describe el espacio. De pronto entra un hombre joven, normal y bien parecido, que comienza el ritual de afeitarse. Abre la llave del agua, se pone crema en la cara y prepara su máquina provista de una “gillette”. Y comienza. Y se afeita. Y se pone más crema. Y sigue… mmm… ¿adónde conduce este relato?... ya estamos en la mitad de la película… Hasta que un detalle lo cambia todo.

Se ve una pequeña gota de sangre en su cara. Y otra. El lavatorio recibe las primeras manchas rojas en su superficie. El hombre se corta en distintos lados de su rostro, ¡su cara entera está ensangrentada!… pero él sigue afeitándose, como si nada, como si el dolor y la sangre en sí misma no significaran nada. La sangre gotea hasta sus pies… y el último compás de Bunny Berigan nos indica que todo terminó. Se trata de “The Big Shave (La Gran Afeitada)”, el tercer cortome

One Minutes Movies, BBC, The One Minutes JR.

ONE MINUTE MOVIES

La cadena estatal de radio y televisión británica BBC creó hace algún tiempo este espacio para que cualquier creador -profesional, amateur o accidental-, pudiera subir a la red sus películas personales. El único límite era su duración: un minuto. Lamentablemente, ahora han decidido parar la recepción, pero el sitio sigue dando vueltas para que podamos ver lo que alcanzó a llegar.

ver One Minute Movies

THE ONE MINUTES JR.

La comunidad sin fines de lucro The One Minute Jr. creó este sitio para promover la voz de adolescentes y jóvenes de entre 12 y 21 años de todo el mundo que viven en la marginalidad. Esta organización con sede en Amsterdan, Países Bajos, realiza talleres, difusión en canales de televisión europeos e inv